Alfons Mucha – Magia Secesji: tylko 4 tygodnie, by zanurzyć się w pięknie Art Nouveau
W Art Box Experience w warszawskiej Fabryce Norblina można jeszcze przez cztery tygodnie zobaczyć niezwykłą wystawę „Alfons Mucha – Magia Secesji”. To ostatnia okazja, by przenieść się do pełnego elegancji i symboliki świata secesji oraz odkryć twórczość jednego z najbardziej rozpoznawalnych artystów przełomu XIX i XX wieku w nowoczesnej, immersyjnej formie. Wystawa jest dostępna w środy, czwartki, piątki i soboty.
W Art Box Experience w warszawskiej Fabryce Norblina można jeszcze przez cztery tygodnie zobaczyć niezwykłą wystawę „Alfons Mucha – Magia Secesji”. To ostatnia okazja, by przenieść się do pełnego elegancji i symboliki świata secesji oraz odkryć twórczość jednego z najbardziej rozpoznawalnych artystów przełomu XIX i XX wieku w nowoczesnej, immersyjnej formie. Warto przy tej okazji zajrzeć do wystawowego sklepiku, gdzie wybrane pamiątki inspirowane dziełami Muchy – plakaty, notesy, apaszki czy dodatki do domu – dostępne są z rabatami sięgającymi nawet 50%. To idealna okazja, by zabrać ze sobą piękno secesji i na dłużej zachować wspomnienie wizyty. Pełne emocji, immersyjne doświadczenie Po sukcesie w Paryżu i Tokio, wystawa „Alfons Mucha – Magia Secesji” po raz pierwszy prezentowana jest w Polsce. Zrealizowana przez Grand Palais Immersif we współpracy z Fundacją Muchy, ekspozycja przenosi widzów w niezwykły świat sztuki Alfonsa Muchy – ikony stylu Art Nouveau. Na powierzchni 800 m² można zobaczyć niemal 100 prac artysty – od słynnych plakatów z wizerunkiem Sarah Bernhardt po mniej znane projekty wnętrz, grafiki i wzory biżuterii. Wystawa została zaprojektowana tak, by otaczać widza z każdej strony i angażować różne zmysły – to nie tylko obrazy, ale także dźwięk i zapach, które tworzą pełne emocji, immersyjne doświadczenie. Dopełnieniem wrażeń wizualnych jest specjalnie przygotowana ścieżka dźwiękowa, łącząca muzykę klasyczną z nowoczesnymi elektronicznymi aranżacjami. Dźwięki wprowadzają w klimat przełomu XIX i XX wieku, a unikatowa oprawa zapachowa dopełnia całego doświadczenia. Na wystawie można poczuć m.in. zapach inspirowany perfumami stworzonymi w 1900 roku przez Jacquesa Guerlaina specjalnie dla Sarah Bernhardt – legendarnej aktorki i wielkiej muzy Muchy. To właśnie ten zapach, subtelny i zmysłowy, otaczał artystę podczas jego twórczej pracy i został odtworzony przez perfumiarkę Marie-Caroline Symard specjalnie na potrzeby tej wystawy. Oprócz tego można poczuć zapachy inspirowane morawską przyrodą i kwiatami często obecnymi na obrazach artysty – dziką różę, fiołki, białe lilie czy maki. Wyjątkowe warsztaty perfumeryjne Dla tych, którzy chcieliby jeszcze głębiej zanurzyć się w świat secesyjnych aromatów, przygotowano wyjątkowe warsztaty perfumeryjne z marką Slou Lab. Odbędą się one 13 września o godzinie 18:00 i 19:00. Uczestnicy będą mogły stworzyć własne, autorskie kompozycje inspirowane wystawą i zabrać je ze sobą do domu. W ramach letniej promocji do 29 sierpnia dzieci i młodzież do 18. roku życia mogą zwiedzać wystawę bezpłatnie od poniedziałku do piątku (w towarzystwie dorosłego opiekuna – maksymalnie troje dzieci na jedną osobę dorosłą). Dorośli również mogą skorzystać z atrakcyjnej oferty – w dni powszednie między 10:00 a 15:00 obowiązuje bilet w promocyjnej cenie 40 zł w ramach akcji „Dzień dobry, kulturo”. „Alfons Mucha – Magia Secesji” to wystawa, która zachwyca, inspiruje i otula pięknem – idealna na koniec lata, by zatrzymać się na chwilę i poczuć klimat minionej epoki wszystkimi zmysłami. Bilety dostępne są na platformie Ticketmaster: https://www.ticketmaster.pl/artist/alfons-mucha-magia-secesji-bilety/1384243
W Art Box Experience w warszawskiej Fabryce Norblina otoczy nas magia zimowego wieczoru i świąt Bożego Narodzenia. A to za sprawą superprodukcji „Immersyjny Dziadek do orzechów. Zimowy cud”, na którą zapraszają twórcy pierwszej w Polsce i w tej części Europy galerii immersyjnej Art Box Experience. Widowisko to wciągające, wielowymiarowe doświadczenie oddziałujące na zmysły i poruszające fantazję, przygotowane zostało z myślą o całej rodzinie. Na odwiedzających oprócz spektakularnie animowanej, prawdziwie zimowej opowieści czekają liczne atrakcje, w tym zabawa w augmented reality.
„Dziadek do orzechów” to jeden z tych ponadczasowych spektakli, które na stałe zapisały się w światowym kanonie baletu. Powstałe na podstawie baśniowej opowieści E.T.A. Hoffmanna „Dziadek do orzechów i Król myszy”, przedstawienie od lat rozpala wyobraźnię kolejnych pokoleń na całym świecie, będąc jedną z najpopularniejszych świątecznych historii (na język francuski przetłumaczył je sam Aleksander Dumas!). Już wkrótce widowisko zobaczyć – i doświadczyć! – można będzie w Warszawie, mieście, w którym niemiecki pisarz mieszkał w pierwszych latach XIX wieku, i którego pokryte śnieżnym puchem Stare Miasto stało się źródłem wyjątkowej inspiracji. Do tej fantastycznej, świątecznej scenerii przenosi widzów „Immersyjny Dziadek do orzechów. Zimowy cud”, którego europejska premiera będzie miała miejsce już 17 listopada w Art Box Experience w Warszawie. Czas świąt Bożego Narodzenia ma w sobie wiele pięknych tradycji. Jedną z moich ulubionych, takich osobistych, jest coroczne oglądanie Dziadka do Orzechów w dzień przed Wigilią. Mam nadzieję, że immersyjna wersja tej klasycznej powieści świątecznej dostarczy najmłodszym, ale też dorosłym, wielu wspaniałych wrażeń. – mówi Joanna Kowalkowska, współzałożycielka i prezeska ABE. fot. Materiały prasowe Balet opowiada przygody siedmioletniej Klary, która podczas nocy bożonarodzeniowej znajduje pod choinką dziadka do orzechów. Ze wszystkich prezentów ten podoba jej się najbardziej, więc zabiera go do swojego domku dla latek. Dziewczynka zasypia i śni o Krainie Słodyczy, w której razem z Księciem, w którego zmienił się Dziadek, musi stawić czoła złowrogiemu Królowi Myszy. Ten siedmiogłowy uzurpator chce zagarnąć dla siebie wszystkie słodycze! Czy mu się to uda? Tym razem klasyczną opowieść o „Dziadku do orzechów” zobaczyć można będzie w spektakularnym, disneyowskim stylu przepełnionym muzyką i tańcem. Ambasadorką wydarzenia jest pojawiająca się w warszawskiej odsłonie widowiska Yume Okano, tancerka Teatru Wielkiego – Opery Narodowej: Śnieg za oknem, ciepło kominka, pachnąca choinka i historia dzielnej Klary, która w wigilię Bożego Narodzenia zaprzyjaźnia się z dziadkiem do orzechów i walczy z Królem Myszy we wspaniałej opowieści wzbogaconej piękną muzyką „Dziadek do orzechów. Zimowy cud” to idealna propozycja dla całej rodziny. Szczególnie chwyta za serca najmłodszych widzów. „Dziadek do orzechów” sprawia, że czuję Święta, za każdym razem, kiedy go słucham, oglądam albo tańczę! – mówi balerina. Sztuka immersyjna różni się interaktywnością i nowatorską formą od tradycyjnych przedstawień. Połączenie zdobyczy technologicznych z baletem to prawdziwy przełom, dzięki któremu widz znajduje się dosłownie wewnątrz tego magicznego świata. Jestem wdzięczna, że mogłam współtworzyć sztukę immersyjną z niesamowitym zespołem ABE – Yume Okano, tancerka Teatru Wielkiego – Opery Narodowej. fot. Materiały prasowe Całość to wciągający, wielozmysłowy projekt, powstały na styku sztuk performatywnych (teatr i kino), sztuk wizualnych, animacji komputerowej oraz nowych technologii. Immersyjny, czyli pozwalające w pełni zanurzyć się w wykreowanym świecie. Art Box Experience to właśnie immersyjna przestrzeń, która łączy najnowsze technologie cyfrowe z wrażeniami dźwiękowymi i systemem projekcji obrazu w technologii panoramy 360º, animacji 3D i 2D. Zamiast jedynie oglądać historię, publiczność staje się jej częścią, zanurza się w niej wszystkimi zmysłami. Premierowo w Art Box przygotowaliśmy zabawę technologiczną, która dzięki aplikacji na smartfona pozwali odwiedzającym na poszukiwanie bohaterów w świecie AR (augmented reality), czyli rozszerzonej rzeczywistości i interakcje z projekcjami – zapowiada Kowalkowska. W widowisku nie mogło też zabraknąć magii świąt wyczarowanej z pomocą specjalnie przygotowanych scenografii. Organizatorzy zadbali o takie szczegóły, jak kolorowe kanapy do siedzenia w kształcie wielkich prezentów oraz projekcje na ogromnej choince. Zobaczymy też kolekcję figur dziadków do orzechów z lat 60. i 70. oraz oryginalnych kostiumów teatralnych: Wyczarujemy namiastkę zimowej uliczki, gdzie staną oryginalne kostiumy baletowe. Można było oglądać je na deskach teatrów w całej Polsce za sprawą tournée Królewskiego Baletu Klasycznego. Tam również pojawią się, nagrane wcześniej na green-screenie, baletnice – z gościnnym udziałem naszej znamienitej Ambasadorki, baletnicy Teatru Wielkiego w Warszawie, pani Yume Okano. Następnie przeniesiemy się do mroźnej krainy lodu, gdzie zwiedzającym będą towarzyszyć projekcje 360’, by już za chwilę znaleźć się w ciepłym wnętrzu, w którym toczy się główna akcja – wylicza Joanna Kowalkowska. Na zakończenie wystawy goście odlecą balonem wprost do naszej przytulnej kawiarenki – żartuje i dodaje: A to za sprawą selfie-spotu przygotowanego przez agencję Creative Pro. Poprzednio ogromnym sukcesem Art Boxu okazała się m.in. wystawa „Immersive Monet & Impressionists”, którą zobaczyło ponad 70 tysięcy widzów z całej Polski. „Immersyjny Dziadek do orzechów. Zimowy cud” jest drugą, po wystawie impresjonistów, propozycją Lighthouse Immersive, studia produkcyjnego z Toronto. Autorami multisensorycznego pokazu są frontmeni studia Storywall Entertainment, których superprodukcje mają rzesze fanów na całym świecie. Za realizację projektu w Warszawie odpowiadają twórcy Art Box Experience, pierwszej w tej części Europy przestrzeni immersyjnej. Są nimi: Joanna Kowalkowska, projektantka i dyrektorka artystyczna wielu międzynarodowych projektów łączących ze sobą teatr, sztuki wizualne, design i nowe technologie, Mateusz Labuda, menedżer kultury, wcześniej wicedyrektor Muzeum Narodowego w Warszawie i Muzeum Warszawy oraz Piotra Sikora, współzałożyciel Platige Image, producent filmów animowanych, cinematików do gier komputerowych oraz efektów specjalnych, nagrodzonych setkami nagród, w tym nominacjami do Oscara© i brytyjskimi nagrodami BAFTA. Immersyjne widowisko to wiele, a jednak jeszcze nie wszystko! Organizatorzy przygotowali liczne świąteczne atrakcje, które połączą pokolenia – już 7 stycznia i 28 stycznia Art Box zaprasza na warsztaty dla rodzin. Uczestnicząc w pokazie w Art Box Experience dowiemy się więcej o samym balecie i opowiadaniu, a także ich twórcach. Najmłodsi poznają podstawowe figury baletowe, a w części warsztatowej pod okiem edukatorek i edukatorów przygotują ozdoby choinkowe lub stworzą figurę dziadka do orzechów, którego następnie zabiorą ze sobą do domu. Szczegółowy program warsztatów będzie dostępny na stronie artboxexperience.com oraz w mediach społecznościowych. Bilety: do nabycia online (Bilety Art Box Experience). Więcej na: artboxexperience.com Fabryka Norblina, ul. Żelazna 51/53, drugie piętro; pon.-czw., od godz. 9.00 do 20.00, ostatnie wejście o 19.00; pt. od godz. 9:00 do 21:00, ostatnie wejście o godz. 20; weekend w godz. 10.00-21.00. fot. Materiały prasowe Czym jest Art Box Experience? To autorski projekt, który łączy najnowsze techniki animacji komputerowej i wrażeń dźwiękowych z bogatym systemem projekcji obrazu w technologii panoramy 360º, animacji 3D i 2D, a scenografia – rezultat cyfrowej projekcji o najwyższej jakości – przybierać może różne barwy i formy. Zamiast jedynie oglądać historię, o której opowiada dana wystawa, zwiedzający staje się jej częścią, zanurza się w niej wszystkimi zmysłami. Wyróżnikiem Art Box Experience, obok najwyższej klasy rozrywki na światowym poziomie, jest również treść edukacyjna, związana z kulturą, sztuką, historią, nauką, geografią, przyrodą czy modą. Przy wystawach multisensorycznych „Retro Warszawa” i „Save the Planet” partnerami są instytucje kultury i nauki o najwyższej renomie: Dom Spotkań z Historią, Fundacja Nauka o Klimacie, MHŻP Polin, Muzeum Warszawy, Muzeum Ziemi, UN Global Impact. Art Box Experience jest wielofunkcyjną przestrzenią immersyjną, gdzie na styku sztuki, nauki, cyfrowej technologii i rozrywki powstają unikalne multisensoryczne wystawy, spektakle, koncerty i eventy. Ambicją jego twórców jest prezentowanie tam atrakcyjnych i wartościowych treści z dziedziny sztuki, nauki, edukacji, ekologii i popkultury. Jest owocem pasji, doświadczenia i kompetencji autorytetów świata nowych technologii, rozrywki i świata muzealnego: Joanny Kowalkowskiej (współzałożycielki Art Box Experience, absolwentki prestiżowej uczelni artystycznej Central Saint Martins w Londynie, projektantki i dyrektorki artystycznej wielu międzynarodowych projektów interdyscyplinarnych, łączących ze sobą teatr, sztuki wizualne, design oraz pasjonatki nowych technologii), Mateusza Labudy (wicedyrektora Muzeum Narodowego w Warszawie i Muzeum Warszawy, wieloletniego menadżera Maanamu, producenta muzycznego) i Piotra Sikory (współzałożyciela m.in. Platige Image, domu produkcyjnego „Dobro” czy Art Box Experience, międzynarodowego producenta filmów animowanych, cinematików do gier komputerowych oraz efektów specjalnych, nagrodzonych setkami nagród, w tym nominacjami do Oscara© i brytyjskimi nagrodami BAFTA; do jego najbardziej rozpoznawalnych produkcji zaliczają się m.in. animacja krótkometrażowa Katedra, serial Wiedźmin dla Netfliksa, Wonder Woman dla DC Comics czy Melancholia i Antychryst Larsa von Triera). Partnerzy oraz patroni medialni widowiska „Immersyjny Dziadek do orzechów. Zimowy cud”:
„IMMERSIVE MONET & THE IMPRESSIONISTS” po raz pierwszy w Europie!
Światowe tournée i miliony sprzedanych biletów w Stanach Zjednoczonych. Multisensoryczna wystawa „Immersive Monet & The Impressionists” właśnie pojawia się po raz pierwszy na Starym Kontynencie i od razu w Art Box Experience w warszawskiej Fabryce Norblina. Przygotowali ją Massimiliano Siccardo wraz z zespołem Lighthouse Immersive i Visioni Eccentriche – producentami światowej klasy wystaw multisensorycznych. To niezwykły animowany pokaz z wykorzystaniem 438 obrazów, który powstał w oparciu o najnowocześniejsze systemy mapowania wideo i efekty specjalne, dzięki którym sztuka impresjonistów ożywa, jak nigdy wcześniej. A towarzyszy im wyjątkowa ścieżka dźwiękowa autorstwa Luki Longobardi.
Już od 24 marca dzieła Claude’a Moneta, Augusta Renoira, Edgara Degasa, Mary Cassatt, Paula Cezanne’a czy Eduarda Maneta można oglądać w wielkoformatowych, immersyjnych przestrzeniach Art Box Experience. O wystawie „Immersive Monet & The Impressionists” mówi się, że to emocjonująca podróż po spektakularnej twórczości artystów, którzy nie tylko wstrząsnęli światem sztuki, zmieniając w malarstwie fazę koncepcyjną w fazę wykonawczą, ale też wywoływali towarzyską sensację, a nawet skandale. To, co dla malarzy akademickich mogło być zaledwie szkicem, dla impresjonistów stanowiło skończony akt kreacji. Jeden z najsłynniejszych obrazów Claude’a Moneta, powstały w 1872 roku, a pokazany na wystawie dwa lata później, zatytułowany Impresja, wschód słońca, na którym widzimy port w Hawrze zasnuty dymem i poranną mgłą z oranżową kulą słońca, namalowany został z niespotykaną wcześniej szkicową swobodą pędzla, który musiał nadążyć za wzrokowym wrażeniem. Od tego obrazu wziął swoją nazwę impresjonizm. Co prawda, na początku praca została wykpiona przez krytyka satyrycznego pisma „Charivari”, ale to jedynie dodawało wigoru i pikanterii paryskiemu życiu artystycznemu. Tak było również z impresjonistami. Po pierwszej wystawie w 1874 roku w mieście ponownie wybuchł skandal: konserwatywne środowisko akademickie nie potrafiło pogodzić się z tym, że młodzi malarze, wbrew panującym regułom, sami wystawiają swoje prace, bez podporządkowywania się autorytetom. Z ponad 30 artystów wystawiających wówczas swoje obrazy wielu zostało zapomnianych, ale ci, którzy zyskali rozgłos, po latach stali się tak popularni, a ich obrazy tak wysoko wyceniane, że nie mogli się z nimi równać przedstawiciele żadnego innego kierunku sztuki. Claude Monet, August Renoir, Edgar Degas, Mary Cassatt, Paul Cezanne, Eduard Manet, Eugene Boudin, Camille Pissarro, J. M. W. Turner, Henri de Toulouse Lautrec – to najsłynniejsi z nich. Twórcy wiejskich pejzaży i malarze życia paryskich bulwarów, piewcy prostych radości, kobiecej urody, beztroskiej zabawy, ale przede wszystkim zwolennicy dążenia do prawdy w oddawaniu natury. Odblask wschodzącego słońca na wodzie, migotanie światła w liściach, konfiguracja chmur na niebie, ruchliwe sylwetki ludzi – interesowały impresjonistów dużo bardziej niż technika wykończenia obrazu. fot. materiały prasowe fot. materiały prasowe fot. materiały prasowe Jesteśmy niezwykle szczęśliwi, że słynna wystawa „Immersive Monet & The Impressionists” już w marcu pojawi się w przestrzeniach Art Box Experience – mówi Joanna Kowalkowska, prezeska zarządu i współzałożycielka jedynej immersyjnej przestrzeni w Polsce, mieszczącej się w Fabryce Norblina w Warszawie. Czeka nas prawdziwa uczta dla oka i niespotykane artystyczne doświadczenie, bo obrazów mistrzów impresjonizmu w takim wydaniu jeszcze nie widzieliśmy. To wyjątkowa szansa, aby zobaczyć wszystkie najważniejsze dzieła impresjonistyczne rozproszone po najlepszych galeriach i muzeach świata w jednym miejscu. Immersyjny charakter wystawy pozwoli widzowi doświadczyć z bliska prawie 450 obrazów, jak również zanurzyć się wewnątrz jednego z nich. Mogę zdradzić, że nenufary z ogrodu Moneta w Giverny jeszcze nigdy nie były tak blisko. „Immersive Monet & The Impressionists” to wystawa wyjątkowa, pokazująca przekrój twórczości najważniejszych malarzy impresjonizmu, łącząca je w zniewalające projekcje, miks kolorów, faktur i wrażeń. Jednocześnie to projekt edukacyjny, który zabiera widzów w historyczną podróż do świata sztuki w najlepszym wymiarze, ale tak nowoczesną w formie, że nie ma tam cienia nudy. Przepiękne motywy z obrazów malowanych z ogromną lekkością i wrażliwością przeplatają się z cudowną muzyką i przynoszą oglądającym niezwykłe emocje. To ogromna przyjemność gościć wystawę tego formatu w Art Box Experience, ale też wielka odpowiedzialność wobec odwiedzających – uzupełnia Mateusz Labuda, wiceprezes zarządu Art Box Experience. Każda nasza wystawa to jednocześnie wspaniała, atrakcyjna lekcja dla dorosłych i dla dzieci. Przygotowaliśmy specjalną salę edukacyjną, stanowiącą zgodne z podstawą programową wprowadzenie do wystawy. Taka szkolna wycieczka jest chętnie wybierana przez nauczycieli i lubiana przez uczniów. Jednak to nie wszystko. Chcemy uczyć, ale przede wszystkim bawić, uwodzić gości obrazem i dźwiękiem, bez względu na wiek czy zamiłowanie do sztuki. A ta wystawa robi to jak żadna inna. Ambasadorem wystawy został Stach Szabłowski, historyk i krytyk sztuki, niezależny kurator i publicysta, autor koncepcji kuratorskich kilkudziesięciu wystaw, projektów artystycznych i festiwali sztuki w przestrzeni publicznej. Rewolucja impresjonistyczna wydarzyła się 150 lat temu, ale duch tego przewrotu był nowoczesny i takim pozostał do dziś – mówi Szabłowski. Artyści, którzy popychali wówczas malarstwo na nowe tory, byli dziećmi świata zmieniającego się gwałtownie pod wpływem przemysłu, odkryć naukowych, rozwoju technologii. Dlatego ich wrażliwość wciąż przemawia do nas tak mocno; dynamicznie zmieniający się obraz rzeczywistości to jest również nasze doświadczenie. Impresjoniści byli zanurzeni w świecie, który i ich otaczał. Teraz dzięki zaawansowanym technologiom wizualnym na wystawie „Immersive Monet & The Impressionists” my zanurzamy się w ich malarstwie. Ciekawostki na temat „Immersive Monet & The Impressionists”: 438 obrazów wykorzystanych w animacjach wystawy 1 500 000 klatek wideo 3 000 m3 projekcji 760 m2 refleksyjnej podłogi sala edukacyjna z wprowadzeniem do wystawy bezpłatna aplikacja mobilna z treściami wzbogacającymi wiedzę o impresjonizmie i najważniejszych artystach dwa magiczne instaspoty: mostek w Giverny i nenufary oraz Paryż i wieża Eiffla ponad 5 mln widzów w USA i Kanadzie. Wystawę „Immersive Monet & The Impressionists” będzie można zobaczyć w Art Box Experience w Warszawie od 24 marca do 2 lipca 2023 roku (Fabryka Norblina, ul. Żelazna 51/53, drugie piętro). Bilety w specjalnej przedsprzedażowej cenie 55 zł dostępne są tylko do 23 marca na: https://www.ticketmaster.pl/artist/immersive-monet-the-impressionists-bilety/1156873. fot. materiały prasowe fot. materiały prasowe fot. materiały prasowe Czym jest Art Box Experience? To autorski projekt, który łączy najnowsze techniki animacji komputerowej i wrażeń dźwiękowych z bogatym systemem projekcji obrazu w technologii panoramy 360º, animacji 3D i 2D, a scenografia –rezultat cyfrowej projekcji o najwyższej jakości – przybierać może różne barwy i formy. Zamiast jedynie oglądać historię, o której opowiada dana wystawa, zwiedzający staje się jej częścią, zanurza się w niej wszystkimi zmysłami. Wyróżnikiem Art Box Experience, obok najwyższej klasy rozrywki na światowym poziomie, jest również treść edukacyjna, związana z kulturą, sztuką, historią, nauką, geografią, przyrodą czy modą. Przy wystawach multisensorycznych „Retro Warszawa” i „Save the Planet” partnerami są instytucje kultury i nauki o najwyższej renomie: Dom Spotkań z Historią, Fundacja Nauka o Klimacie, MHŻP Polin, Muzeum Warszawy, Muzeum Ziemi, UN Global Impact. Art Box Experience jest wielofunkcyjną przestrzenią immersyjną, gdzie na styku sztuki, nauki, cyfrowej technologii i rozrywki powstają unikalne multisensoryczne wystawy, spektakle, koncerty i eventy. Ambicją jego twórców jest prezentowanie tam atrakcyjnych i wartościowych treści z dziedziny sztuki, nauki, edukacji, ekologii i popkultury. Jest owocem pasji, doświadczenia i kompetencji autorytetów świata nowych technologii, rozrywki i świata muzealnego: Joanny Kowalkowskiej (współzałożycielki Art Box Experience, absolwentki prestiżowej uczelni artystycznej Central Saint Martins w Londynie, projektantki i dyrektorki artystycznej wielu międzynarodowych projektów interdyscyplinarnych, łączących ze sobą teatr, sztuki wizualne, design oraz pasjonatki nowych technologii), Mateusza Labudy (wicedyrektora Muzeum Narodowego w Warszawie i Muzeum Warszawy, wieloletniego menadżera Maanamu, producenta muzycznego) i Piotra Sikory (współzałożyciela m.in. Platige Image, domu produkcyjnego „Dobro” czy Art Box Experience, międzynarodowego producenta filmów animowanych, cinematików do gier komputerowych oraz efektów specjalnych, nagrodzonych setkami nagród, w tym nominacjami do Oscara i brytyjskimi nagrodami BAFTA; do jego najbardziej rozpoznawalnych produkcji zaliczają się m.in. animacja krótkometrażowa Katedra, serial Wiedźmin dla Netfliksa, Wonder Woman dla DC Comics czy Melancholia i Antychryst Larsa von Triera). Twórcy wystawy „Immersive Monet & The Impressionists” Massimiliano Siccardi jest absolwentem London School of Contemporary Dance. W 1990 roku rozpoczął karierę w świecie video artu, gdzie szybko stał się cenionym twórcą mise-en-scène, współpracującym z choreografami z całego świata. Zaprojektował scenografie wideo dla licznych prestiżowych festiwali i gal międzynarodowych. Jest autorem video mappingu Bazyliki di Giotto oraz dla Teatro Petruzzelli w Bari, gdzie jedna z jego stałych instalacji wirtualnie odtworzyła freski kopuły. Massimiliano jest też cenionym fotografem, którego zdjęcia były pokazywane na wystawach w Spoleto i Rzymie. Obecnie pełni funkcję profesora przetwarzania obrazów cyfrowych w Accademia di Comunicazione e Immagine w Rzymie. W 2012 roku otrzymał prestiżową międzynarodową nagrodę Romaindanza za swoje osiągnięcia w dziedzinie sztuki wizualnej w teatrze tańca. Od 2012 roku jest artystą-rezydentem w Carrières de Lumières – Atelier des Lumières, gdzie opracował mise-en-scène dla licznych pokazów cyfrowych. Obecnie pracuje nad projektami we Włoszech, Nowym Jorku, Berlinie, Lipsku i Rzymie. Vittorio Guidotti jest absolwentem European Institute of Design. Jego praca dyplomowa z 2007 roku od razu zdobyła nagrodę na festiwalu filmowym Cortintesta. Współpracuje z Massimiliano Siccardim, z którym stworzył projekcje wideo dla Narodowej Akademii Tańca w Rzymie, stałą instalację dla Muzeum Tańczącego Satyra w Mazzara del Vallo w 2016 roku i tymczasową dla Muzeum Perfum w Grasse w 2017 roku. Vittorio Guidotti był dyrektorem kreatywnym ds. animacji w pokazie cyfrowym, prezentowanym przez Les Carrières des Lumières. W 2016 roku pracował przy pisaniu i tworzeniu spektaklu Au pays d'Alice. W 2019 roku wraz z Massimiliano Siccardim i Luką Longobardim Guidotti stworzył show Vincent, które obecnie jest prezentowane w budynku Toronto Star w Toronto w Kanadzie. Luca Longobardi to klasycznie wykształcony włoski kompozytor i pianista, który w swoich utworach używa elementów współczesnej muzyki elektronicznej. Urodzony w 1976 roku Longobardi studiował muzykę klasyczną we Włoszech i w Nowym Jorku, a w 2011 roku uzyskał doktorat w dziedzinie cyfrowej rekonstrukcji dźwięku w Rzymie. Jego dzieła ujawniają silne związki między muzyką klasyczną a współczesną. Doświadczenia, które zdobył jako muzyk teatralny, zwiększyły jego zainteresowanie relacją między dźwiękami a przedstawieniem. Jest autorem muzyki do przedstawień baletowych i filmów, a także instalacji i przedstawień sztuki eksperymentalnej (Atelier de Lumières w Paryżu, Carrière des Lumières w Baux-de-Provence, Kunstkraftwerk w Lipsku). W multimedialnych występach i nagraniach Longobardiego eksperymentalna muzyka elektroniczna spotyka się z czystą, eteryczną i pozornie prostą grą na fortepianie, w której brzmią głębokie emocje. Więcej na: https://artboxexperience.com/.
Gdynię od Tel Awiwu dzieli blisko 3000 kilometrów. Mimo geograficznego dystansu, miasta łączy zaskakująco wiele podobieństw.
Oba powstały w tym samym czasie jako porty-bramy na świat i w szybkim tempie stały się eleganckimi kurortami oraz nowoczesnymi portami. Wyróżnia je charakterystyczna, modernistyczna architektura. Spoiwem okazuje się także wspólna, polsko-żydowsko historia. Oba powstały w tym samym czasie jako porty-bramy na świat, eleganckie kurorty i perły modernistycznej architektury. Zabieramy Was w podróż po nadmorskich miastach wybudowanych niemal od podstaw na początku XX wieku. Oba odegrały podobną rolę w historii Izraela i Polski. Reprezentowały marzenia i aspiracje państw, których jeszcze kilka lat wcześniej nie było na mapach. Tel Awiw założony w 1909 roku i wzniesiony w dużym stopniu w okresie Mandatu Brytyjskiego Palestyny nazywano "pierwszym miastem hebrajskim". Gdynia, którą budowano od 1920 roku, mianowano "polskimi wrotami na świat". Jako nowoczesny port, miała być bramą wyjazdową dla towarów i ludzi. Z kolei nadmorski Tel Awiw miał pełnić rolę bramy wjazdowej, stając się celem podróży oraz miejscem osiedlania się imigrantów przybywających, by tworzyć przyszłe państwo żydowskie. Te reprezentacyjne funkcje i początek nowego stulecia sprzyjały realizacji ambitnych planów urbanistycznych – oba miasta zdominowała architektura modernistyczna. Oba miasta mają także inne wspólne kolory: błękit odnoszący się do barwy morza i żółcień – kolor słońca i plażowego piasku. Barwy te z łatwością będzie można odnaleźć na wystawie, m.in. na powstałych w międzywojniu, plakatach reklamowych i propagandowych, a także w folderach. Gdynia i Tel Awiw szybko zyskały rangę ważnych portów morskich, stały się modnymi letniskami i kurortami. Codzienność rodzących się miast poznacie na wystawie dzięki archiwalnym fotografiom, filmom, dokumentom, rysunkom i obrazom, a także elementom wyposażenia modernistycznych kamienic. Zobaczycie celebrowane rokrocznie święta miejskie – gdyńskie Święto Morza i telawiwskie obchody radosnego święta Purim. Zapoznacie się także z przygotowanymi specjalnie na ekspozycję makietami ikonicznych budynków Gdyni i Tel Awiwu. Więzi pomiędzy Gdynią a Tel Awiwem nie ograniczały się do analogii architektonicznych, czy ideowych. Oba miasta łączyły także statki linii żeglugowych "Gdynia-Ameryka" (GAL). Na tak zwanej Linii Palestyńskiej kursował S/S "Polonia", który jako pierwszy statek pasażerski zawinął do nowego portu w Tel Awiwie. Wyposażenie i wnętrza statków GAL-u projektowali czołowi polscy artyści – na ekspozycji zobaczycie m.in. zastawę stołową ze statku M/S "Piłsudski". Nowe miasta i ich mit założycielski przyciągały i inspirowały artystów. Na wystawie "Gdynia – Tel Awiw" wśród cennych obiektów znalazły się wyjątkowe, bo rzadko opuszczające Izrael prace najwybitniejszych malarzy telawiwskich, a wśród nich "Port w Jaffie" Reuvena Rubina z 1923 roku. Ponadto z Izraela do Polski przyleciały intrygujące rysunki Nahuma Gutmana, w których artysta własną biografię wpisał w mit założycielski Tel Awiwu. Prace te po latach wykorzystał jako ilustracje do książki "Małe miasto i kilku w nim ludzi. Historie z początków Tel Awiwu". Na wystawie zobaczycie także obrazy olejne Gutmana ze scenami rodzajowymi ukazującymi orientalne uroki Jaffy, jak również zaprojektowany przez niego herb Tel Awiwu. Z kolei na obrazach Ludwiga Bluma odnajdziecie panoramę "białego Tel Awiwu". Wybrzeże Morza Bałtyckiego oraz Gdynię dostrzeżecie w m.in. w "pejzażach morskich" Władysława Strzemińskiego, rysunkach Janusza M. Brzeskiego czy kompozycjach malarskich Michaliny Krzyżanowskiej i Kazimiery Pajzderskiej. Klamrę między przeszłością a dniem dzisiejszym zamykają polscy artyści współcześni. Maurycy Gomulicki stworzył neon zatytułowany "Transatlantyk", nawiązujący do symboliki nadmorskiego charakteru obu miast. Fotograf Wojciech Wilczyk przygotował foto-esej o architekturze modernistycznej Gdyni i Tel Awiwu, pokazując współczesny wygląd i kontekst otoczenia wybranych budynków. Modernistyczna architektura jest również tematem ascetycznych obrazów Marii Kiesner. Wystawa "Gdynia – Tel Awiw" jest związana z obchodami 100-lecia powstania miasta Gdyni, 110-lecia założenia Tel Awiwu, wreszcie stulecia otwarcia Bauhausu – niemieckiej uczelni artystycznej, której program ukształtował nowoczesne oblicze wielu miast Europy i dzisiejszego Izraela. Ekspozycja powstała we współpracy z Muzeum Miasta Gdyni, pod honorowym patronatem prezydenta Gdyni Wojciecha Szczurka i burmistrza Tel Awiwu Rona Huldaia, a także Ambasady Izraela w Polsce. Kurator: Dr Artur Tanikowski Kuratorka organizacyjna: Ewa Witkowska Projekt scenograficzny: ONTO STUDIO | Kaja Nosal, Anna Wręga Identyfikacja wizualna wystawy: Marcin Władyka | Headmade Studio Projekty artystyczne: Maurycy Gomulicki, Maria Kiesner, Wojciech Wilczyk
Instalacje wideo wracają na wystawę w Muzeum Narodowym w Warszawie
Z Galerii Sztuki XX i XXI wieku w Muzeum Narodowym w Warszawie usunięto w miniony piątek dwie instalacje wideo. To skutek decyzji prof. Jerzego Miziołka, dyrektora placówki. Po akcji w internecie, podjęto decyzję o dalszym eksponowaniu dzieł.
Usunięcie instalacji z Muzeum Narodowego Chodzi o instalacje autorstwa Natalii LL „Sztuka konsumpcyjna” z 1972 r. i Katarzyny Kozyry „Pojawienie się Lou Salome” z 2005 r. Pierwsza z nich przedstawia kobietę jedzącą banana, druga – kobietę z dwoma psami o twarzach Nietzschego i Rilkego. Zarówno Katarzyna Kozyra jak i Natalia LL są uznanymi twórczyniami o międzynarodowej sławie. Ich sztuka opisywana jest nie tylko w specjalistycznych wydawnictwach, ale również w podręcznikach dla szkół podstawowych i ponadpodstawowych. Usunięcie prac dyrektor Muzeum Narodowego tłumaczył „rozpraszaniem młodzieży”. Według niego „w Muzeum Narodowym pewna tematyka z zakresu gender nie powinna być explicite pokazywana”. Placówka otrzymywała także skargi od wielu zwiedzających. Reakcje społeczeństwa Usunięcie prac nie pozostało bez echa w mediach społecznościowych. Internauci stworzyli ogólnopolskie wydarzenie nazwane „Jedzenie bananów pod Muzeum Narodowym”. Z godziny na godzinę liczba uczestników, którzy chcieli przyjść pod muzeum, się zwiększała. Sytuację komentowali też polscy artyści. Na swoich kontach na Instagramie i Facebooku publikowali oni zdjęcia, na których... jedzą banany. Wszystko po to, by pokazać, że nie zgadzają się z cenzurą sztuki. W poniedziałek na oficjalnej stronie Muzeum Narodowego opublikowano oświadczenie: Jasno wynika więc z niego, że prace Natalii LL i Katarzyny Kozyry powrócą na swoje dawne miejsca. Zobacz także:„Patrzę z niedowierzaniem, jak powstawał pierwszy obraz czarnej dziury, jaki zrobiłam” - napisała na Facebooku. Poznajcie Katie Bouman!„Że co to jest? Masz wydzierać kartki przy PMS?”, czyli pochwaliłam się swoim „notesem o żeńskim narządzie rozrodczym” w sieci
John Malkovich jako Lech Wałęsa, papież Jan Paweł II i Fryderyk Chopin?!
Znany aktor, znany fotograf i znany magazyn - z tego musiało wyjść coś niesamowitego! Poznajcie szczegóły.
Z okazji 20-lecia magazynu VIVA! - znany fotograf Sandro Miller, we współpracy z Johnem Malkovichem, stworzył trzy niepowtarzalne zdjęcia, na których aktor wcielił się w role słynnych Polaków - Fryderyka Chopina, papieża Jana Pawła II oraz Lecha Wałęsy. Prace te są częścią większego projektu Malkovich, Malkovich, Malkovich: w hołdzie mistrzom fotografii”. Zdjęcia aktora Johna Malkovicha w trzech różnych wcieleniach znanych Polaków autorstwa Sandro Millera zaprezentowano po raz pierwszy w warszawskiej hali EXPO. Tam 30 listopada 2017 odbyła się tam uroczysta gala z okazji konkursu VIVA! Photo Awards, podczas której już po raz 9 przyznano nagrody laureatom konkursu fotograficznego organizowanego przez popularny magazyn. John Malkovich i Sandro Miller poznali się 25 lat temu. Aktor wcielał się już wcześniej w najważniejsze postaci z historii XX wieku. Razem z Sandro Millerem odtworzyli portrety m.in. Alberta Einsteina, Salvadora Dalego i Marilyn Monroe. Tym razem inspiracją Millera były najwybitniejsze polskie postaci. Ich zdjęcia zostały pieczołowicie „odtworzone”, a raczej zaaranżowane na nowo. Przygotowania do realizacji projektu zajęły niemal rok, a samą sesję poprzedzały długie miesiące przygotowań polegające na tworzeniu od podstaw każdego najmniejszego szczegółu garderoby, scenografii i światła. Ekipa spędziła kilka godzina na charakteryzacji Johna Malkovicha tak, aby idealnie odzwierciedlić bohaterów. Te trzy zdjęcia stworzone przy współpracy dwutygodnika VIVA! zwieńczyły cykl, nad którym artyści pracowali od kilku lat i wraz z pozostałą częścią wystawy będą pokazywane na całym świecie. Jak wygląda praca podczas sesji zdjęciowej ze znanym aktorem - polecamy relację wideo! Na 20. urodziny magazynu VIVA! Polski Gwiazdozbiór na dwóch okładkach!
Odwiedziła ponad 100 fotografów i każdy zrobił jej zdjęcie. Ta sama osoba, ta sama bluzka, a efekt?
Fotografka odwiedziła warszawskie zakłady fotograficzne i sportretowała każdy z nich w ramach projektu "Fotograf Warszawski".
Antonina Gugała poddała się eksperymentowi. Odwiedziła ponad setkę zakładów fotograficznych działających w Warszawie. W każdym z nich zrobiła sobie zdjęcie do dokumentów nie zdradzając, że sama zajmuje się fotografią i zna się na tym fachu. Celem było sportretowanie foto-zakładów, które portretowanie oferuje. Efekt zaskoczył ją samą. Chyba nikt nie lubi swoich zdjęć w dokumentach. Legitymację studencką, dowód osobisty wyjmujemy dość niechętnie, a gdy wyjęcie go to tylko formalność, ukrywamy palcem swój profil. Szczęśliwie, stosunkowo rzadko wykonujemy takie zdjęcia. Jednak znalazła się osoba, która potraktowała to jako wyzwanie. Wystawa "Fotograf Warszawski" Antonina Gugała, absolwentka Akademii Fotografii w Warszawie, zrobiła zdjęcia witryn 83 punktów fotograficznych w Warszawie. Odwiedziła nawet więcej, bo 102 punkty, ale nie sportretowała tych, które znajdują się w podziemiach i w centrach handlowych. 7 grudnia w Fundacji Archeologia Fotografii otwiera się jej wystawa "Fotograf Warszawski", dokumentujący badanie śladów obecności fotografów-rzemieślników w przestrzeni miasta i ich funkcjonowanie. Autorka sporządziła dokumentację witryn ponad 80 zakładów fotograficznych współcześnie działających na terenie Warszawy. Na wystawie można zobaczyć mapę, na której wszystkie są zaznaczone. Ale to tylko jeden z dwóch elementów wystawy. - Projekt realizuję w ramach stypendium artystycznego m.st. Warszawy - powiedziała nam autorka prac. - Zdjęcia na wystawę powstawały od lipca bieżącego roku, natomiast pomysł na projekt powstał wcześniej, około rok temu. Zaczęłam od dokumentacji witryn zakładów, a następnie przeszłam do kolejnego etapu, a więc do zamawiania zdjęć do dyplomu w każdym z zakładów - powiedziała. Jedna twarz, sto różnych oblicz Autorka zdjęć do każdego z tych miejsc przychodziła bez makijażu, w takiej samej fryzurze. Dała wolną rękę "operatorom" i prosiła o fotkę do dokumentu. Nie spodziewała się, że na każdym z nich będzie wyglądać inaczej, a historie tych zakładów będą tak fascynujące - to często historie rodzin, relacji międzypokoleniowych. Praca Antoniny Gugały udokumentowała więcej, niż oczekiwała. W ramach projektu chce stworzyć stronę internetową, na której opublikuje zdjęcia i adresy działających na terenie Warszawy zakładów fotograficznych, a potem zaprosić fotografów, by uzupełniali te informacje. To będzie miejsce, w którym będzie można opowiedzieć historię swojego zakładu, pochwalić się tradycjami albo tym, że zatrudnia się rzetelnych fachowców. Jak to się robi w innych krajach? Czyli intymne zdjęcia prosto z sypialni
„Co miałaś wtedy na sobie?” – wystawa ubrań zgwałconych kobiet
Jest prosta, ale mocna i burzy wiele stereotypów.
Nie każda ofiara gwałtu decyduje się zgłosić sprawę na policję i mówić otwarcie o tym, co ją spotkało, w obawie przed stygmatyzowaniem i przerzucaniem winy. Osamotnienie, poczucie wstydu, zażenowania i strach przed tym, co inni pomyślą, jest często silniejszy niż chęć rozprawienia się z gwałcicielem. „Pewnie byłaś pijana”, „zapewne dałaś mu jakiś sygnał, że tego chcesz” i wreszcie – najbardziej znamienne – „Co miałaś wtedy na sobie?” to często pierwsze reakcje otoczenia, którym ofiara napadu o charakterze seksualnym musi stawić czoła. Dres i dziecięce sukienki Między 5 a 15 września na Uniwersytecie w Kansas można było obejrzeć wystawę, która – choć mała – zyskała ogromny światowy rozgłos. 18 zgromadzonych eksponatów z dopisanymi krótkimi komentarzami właścicielek obaliły mit, że ofiarą gwałtu padają wyłącznie wyzywająco ubrane kobiety. Tytuł ekspozycji to "What were you wearing?", czyli "Co miałaś na sobie?" – pytanie, które często słyszą osoby molestowane. Co znamienne, żaden z wystawionych strojów nie jest wulgarny, frywolny ani prowokujący – większość ubrań w galerii to luźne koszulki, jeansy, wygodne bluzki czy dresy. Są tu też dziewczęce sukienki i inne dziecięce ubranka. Nie ma wielkich dekoltów, szpilek, spódniczek mini… ani innych części garderoby, które często stereotypowo są kojarzone z „prowokowaniem” gwałtu – myśleniem, który przerzuca odpowiedzialność za to, co się stało, z napastnika na ofiarę. Na nas wystawa wywarła ogromne wrażenie. Zobaczcie część jej eksponatów w naszej galerii. Jak poradzić sobie z traumą po gwałcie?
Zdjęcia Warszawy z ponad 3 km wysokości - musisz to zobaczyć
2 kwietnia rusza wyjątkowa wystawa tych unikatowych zdjęć, by ocalić je od zapomnienia.
Maciej Margas to fotograf i filmowiec, prowadzi autorską stronę oraz fanpage. Postanowił wzlecieć 3 km nad Warszawą, by uchwycić piękno stolicy. Wyjątkowy projekt, trudny do zrealizowania, ale udało się! Efekty są zniewalające. Odwiedziła ponad 100 fotografów i każdy zrobił jej zdjęcie. Ta sama osoba, ta sama bluzka, a efekt? Zobaczcie same - Pomysł na wykonanie zdjęć lotniczych nad centrum Warszawy, a także nocnych zdjęć z powietrza powstał z prostej przyczyny – nikt do tej pory takich prac nie wykonał – dlatego postanowiłem się zmierzyć z tematem - powiedział Maciej Margas autor zdjęć i pomysłodawca. - Okazało się jednak, że jest to bardzo trudne organizacyjnie przedsięwzięcie, bo wzlecieć nad ścisłe centrum Warszawy może jedynie dwusilnikowy śmigłowiec, którego godzina lotu kosztuje 10 tys. złotych. Autor filmu Warsaw 24Htimelapse, nad którym pracował prawie półtora roku, i który jest najpopularniejszym filmem tego typu o Polsce (obejrzało ma ponad 500 tys. wyświetleń) jest laureatem I Nagrody Grand Press Photo 2016 w kat. Środowisko za "Planetę Warszawę", czyli najbardziej spektakularne zdjęcie prezentujące piękno stolicy. - Dlaczego ciągle porównujemy Warszawę do innych miast? Mówimy czego jej brakuje, że wygląda jak "Mały Manhattan", i w czym ustępuje światowym metropoliom. A przecież mamy powody do dumy! Stolica z dnia na dzień zmienia się nie do poznania! Możliwe, że nawet nie zauważyliśmy, jak wielka i dumna się stała... - tłumaczy fotograf. Polskie miasto kiedyś i dziś: wyjątkowy projekt doczekał się zagranicznych publikacji Warsaw On Air - wyjątkowe zdjęcia Tak trudny i kosztowny projekt a także wydanie zdjęć pod marką Warsaw Gift Shop, nie udałyby się bez pomocy Internautów, którzy wsparli artystę w akcji crowdfundingowej na pomagam.pl. 2 kwietnia rusza wystawa. Zobaczcie kilka zdjęć, które pojawiły się w wielu serwisach, w tym zagranicznych!
Selfie to sztuka. W Londynie powstaje wystawa - twoje selfie może zawisnąć w galerii
Przesada czy po prostu nadążanie za trendami?
"From Selfie to Self-Expression" to tytuł wystawy, która ukaże się w Londynie. Jej tematem będę autoportrety - zarówno te, które przeszły już do kanonu sztuki, jak i te, które mogą do tego miana pretendować, czyli selfie. Selfie sztuką? Niedawno było traktowane jako przejaw narcyzmu, machiawelizmu czy psychopatii. Yolocaust, czyli selfie w obozie koncentracyjnym. Te zdjęcia wywołały burzę w internecie Wpływ social mediów i autokreacja w internecie może prowadzić do przejawów skrajnej głupoty (rosyjska modelka która ryzykowała życie, by mieć zdjęcie z wieżowca). Zdaniem socjologów, to też rodzaj sztuki, która mówi wiele o nas samych - jak postrzegamy siebie, świat, media, czym dla nas jest autoportretowanie. Modą? A może już sztuką? "From Selfie to Self-Expression": pierwsza taka wystawa Choć czasy i narzędzia artystycznego wyrazu się zmieniają, idea "selfie" w jakimś sensie pozostaje niezmienna. Od 31 marca do 30 maja w galerii Saatchi w Londynie, odwiedzający wystawę będą mieli okazję odpowiedzi sobie na pytanie: "czy selfie to już sztuka?", podczas zwiedzania wystawy. Ma się ona składać ze zdjęć zrobionych z ręki oraz autoportretów wielkich twórców, np. Vincenta van Gogha, Rembrandta, Velazqueza, a także znanych selfie, które robiły karierę w social media - nie zabraknie słynnej oscarowej fotografii czy selfie zrobionego przez Baracka Obamę. Nigel Hurst, dyrektor generalny galerii podkreśla, że selfie, to przykład tego jak współczesne społeczeństwo za sprawą nowych technologii wyraża siebie. - Pod wieloma względami autoportrety, selfie są uosobieniem transformacji współczesnej kultury. Ta wystawa to wgląd w historię i potencjał twórczy autoportretów - wyjaśnia Hurst. Twoje selfie w galerii? Naprzeciw oczekiwaniom i trendom wyszła firma Huawei. Wraz z Saatchi zachęcają do wzięcia udziału w konkursie #SaatchieSelfie. Od 23 lutego do 19 marca każdy może wysyłać swoje selfie, a najlepsze znajdą się na wystawie. Na zwycięzców czekają również inne nagrody, szczegóły konkursu można znaleźć na stronie: www.saatchigallery.com/selfie. Przeczytajcie jak zrobić idealne selfie. Kolejne wyzwanie podbija social media #OneFingerSelfieChallenge. Odważycie się?